Batyr Lab 2021
ABOUT BATYR LAB 2021RESIDENCE
The Batyr Lab musical residency is the first educational and practical platform in Central Asia for musicians and composers, established by the Batyrkhan Shukenov Foundation and the Bulat Utemuratov’s Foundation. The Batyr lab aims to unlock composers’ potential and bring them to a new conceptual level.
Off-site residency of the Batyr lab for composers was held in June 2021 in the Ile-Alatau National Park, where master classes about the music business were held and recording studios were set up.
As a result of contest selection, Arystanbek Abay, Assiya Ospanova, Victoria Pak, Damir Uisumbayev (DAMU), Dariya Nurtazina (k.o.k.o.n.j.a), Zhenis Nurgaliyev (Soulman), Konstantin Kokhan (me and my invisible orchestra), Naziya Alzhanova (nasiafromasia), Satzhan Shamenov (Satzhan Project) and Shyryn Bazarkulova were invited to participate in the residence.
Off-site residency of the Batyr lab for composers was held in June 2021 in the Ile-Alatau National Park, where master classes about the music business were held and recording studios were set up.
As a result of contest selection, Arystanbek Abay, Assiya Ospanova, Victoria Pak, Damir Uisumbayev (DAMU), Dariya Nurtazina (k.o.k.o.n.j.a), Zhenis Nurgaliyev (Soulman), Konstantin Kokhan (me and my invisible orchestra), Naziya Alzhanova (nasiafromasia), Satzhan Shamenov (Satzhan Project) and Shyryn Bazarkulova were invited to participate in the residence.
The next stage of the Batyr Lab was the awarding of grants in the amount of half a million tenge to each of the participants for the implementation of their creative projects; a prerequisite was to work with brass instruments, as another tribute to Batyr. As part of the Batyr Lab, eight compositions were created and recorded into a diverse album, the result of an experiment in which participants were given freedom of action, curatorial support, and conditions for collaboration and creativity were provided.
In addition to master classes, Batyr Lab residents had the opportunity to work with performers – the woodwind quintet of Zhanat Yermanov and the brass band of Nurbolsyn Toleukhan. It was important for the organizers to encourage contemporary composers to create music for wind instruments and to give participants an opportunity to work with live bands.
In addition to master classes, Batyr Lab residents had the opportunity to work with performers – the woodwind quintet of Zhanat Yermanov and the brass band of Nurbolsyn Toleukhan. It was important for the organizers to encourage contemporary composers to create music for wind instruments and to give participants an opportunity to work with live bands.
Guest speakers of the residence were the founder of the consulting bureau In Simple Alexey Nikolayev, Moscow DJ and producer, founder of the label In-Beat-Ween Aleksandr Lay-Far, one of the largest composers of modern Kazakhstan Kuat Shildebayev, composer and head of Eegeru Ensemble Sanzhar BaiterekovBaiterekov and producer, founder of Juzz Entertainment label Yerbolat Bedelkhan.
The education program was dedicated to rethinking the role of a composer and revealed new possibilities, facets and expectations from a modern music project – from copyright, paperwork, marketing and management to conceptual structures: the power of collaborations, juggling of cultural codes, representation, locality and glocality.
STAGES OF BATYR LAB 2021
December 2021
July - October 2021
Presentation
Awarding grants and working on compositions
March - April 2021
Contest among composers of Central Asia
June 2021
Educational trainings
RESIDENCY PARTICIPANTS
Виктория Пак
(Tori Park)
(Tori Park)
певица, композиторка
Сатжан Шаменов
(Satzhan Project)
(Satzhan Project)
композитор, пианист
Асия Оспанова
певица
Женис Нургали
(Soul Note)
(Soul Note)
музыкант, пианист и вокалист
Дария Нуртазина
(K.O.K.O.N.J.A)
(K.O.K.O.N.J.A)
саунд-художница
Шырын Базаркулова
композиторка
Назия Альжанова (NASIAFROMASIA)
певица, исполняет jazz, pop, r'n'b, neo-soul
ARYSTANBEK ABAY
Arystanbek Abay is a composer, winner of republican and international contests, who writes music in the academic direction.
Дамир Уйсумбаев
(Damu)
(Damu)
композитор, саксофонист
Константин Кохан
(Me and my invisible
orchestra)
(Me and my invisible
orchestra)
звукорежиссер и продюсер
WHO RECEIVED GRANTS
RESIDENCY PARTICIPANTS
CREATIVE PORTRAITS OF RESIDENTS
– Anton Somov, music expert
Each member of the Batyr Lab music residency is a contemporary musician-performer and composer. The musicians create music in different directions, experiment with genres and musical media, choosing different instruments, compositions, and technologies. Each of their collaborations is a deliberate creative process designed to build a connection between the listener and different art forms. They fill music with contemporary individual content, showing their own view of the facets of existence – love, nature, human relationships, inner world, or the joy of doing nothing. The work of musicians reflects the current moment, the time in which we live, the circumstances and events that have shaped their life and artistic values.
Arystanbek Abay is a composer, winner of republican and international contests, who writes music in the academic direction.
He began playing the violin at the children’s musical school at the age of 8. In high school he became interested in composing in the class of Dmitriy Valeryevich Ostankovich. At the age of 18 he began to study composition professionally at the Urals Special Music School (Yekaterinburg, Russia) under the guidance of Professor Anatoliy Nikolayevich Nimenskiy. “Anatoly Nikolayevich helped me to become what I am now, helped me to confidently take the path of a composer, taught me to be attentive to thoughts, images, sounds, art”, Arystanbek says.
Today Arystanbek is a student at the Ural Conservatory in the class of senior teacher Dinis Ildussovich Kurbanov in Yekaterinburg.
He began playing the violin at the children’s musical school at the age of 8. In high school he became interested in composing in the class of Dmitriy Valeryevich Ostankovich. At the age of 18 he began to study composition professionally at the Urals Special Music School (Yekaterinburg, Russia) under the guidance of Professor Anatoliy Nikolayevich Nimenskiy. “Anatoly Nikolayevich helped me to become what I am now, helped me to confidently take the path of a composer, taught me to be attentive to thoughts, images, sounds, art”, Arystanbek says.
Today Arystanbek is a student at the Ural Conservatory in the class of senior teacher Dinis Ildussovich Kurbanov in Yekaterinburg.
ARYSTANBEK ABAY
"PRAY"
The young composer’s piece “Pray” arouses great interest, especially when you listen to it for the first time, when the most vivid emotional reaction occurs. On the one hand, you wonder how such a young man has managed to write a capacious and heartfelt musical text. On the other hand, one is amazed by the chosen artistic material – the story of Elijah the prophet. The author says, “For us, his story ends when he goes to heaven in a chariot of fire. We do not know the further circumstances. There was one turning point in his journey, quite complex one, which, I think may, shed some light on a subject of interest to me. His experience does not exactly fit my path, but there are facts I should consider, namely, the Elijah’s position in view of the circumstances and the God’s position.”
for chamber ensemble
Creative portrait
Anton Somov, music expert
Anton Somov, music expert
ARYSTANBEK ABAY
Arystanbek Abay is a composer, winner of republican and international contests, who writes music in the academic direction.
He began playing the violin at the children’s musical school at the age of 8. In high school he became interested in composing in the class of Dmitriy Valeryevich Ostankovich. At the age of 18 he began to study composition professionally at the Urals Special Music School (Yekaterinburg, Russia) under the guidance of Professor Anatoliy Nikolayevich Nimenskiy. “Anatoly Nikolayevich helped me to become what I am now, helped me to confidently take the path of a composer, taught me to be attentive to thoughts, images, sounds, art”, Arystanbek says.
Today Arystanbek is a student at the Ural Conservatory in the class of senior teacher Dinis Ildussovich Kurbanov in Yekaterinburg.
Curiosity and the ability to grasp the essence of what is being studied predetermine the author’s character and are reflected in the music he composes. His ability to look at things philosophically resonates with observers. Working with this or that musical material, Arystanbek believes that the chosen image dictates the genre. He believes that it is important to learn and explore, express oneself logically and vividly, “Sounds are the multidimensional details of intangible matter for the creation of living things. With this sentence I express my attitude to the work I do, to the material I produce, to what we call music. Read it carefully, imagine the meaning of each word, imagine the scale of the possibilities”.
Most of his compositions are written in chamber genres, which subtly reveal the artistic image and spiritual world of the author. His portfolio already includes professionally written works: “…” for violin, viola and cello (one-part piece, 2017), Hallelujah for mixed choir A capella (2018), Adagio for string orchestra (2019).
Arystanbek is open to musical experimentation to improve his compositional technique. He strives to work with people, groups, and not limit himself to computer programs. The musician explores in his works what he worries about. He is interested in humanity in its various manifestations. “The positive neighbors the negative – both sides are inherent in all of us. The best human qualities are expressed in God – the example, as a reference point, with which I check them and, if possible, with which I interact within the framework of the musical canvas. It is a thought – an image – that dictates all means of sound expression, and my task is to reveal them and use them for material embodiment”, Arystanbek says.
He began playing the violin at the children’s musical school at the age of 8. In high school he became interested in composing in the class of Dmitriy Valeryevich Ostankovich. At the age of 18 he began to study composition professionally at the Urals Special Music School (Yekaterinburg, Russia) under the guidance of Professor Anatoliy Nikolayevich Nimenskiy. “Anatoly Nikolayevich helped me to become what I am now, helped me to confidently take the path of a composer, taught me to be attentive to thoughts, images, sounds, art”, Arystanbek says.
Today Arystanbek is a student at the Ural Conservatory in the class of senior teacher Dinis Ildussovich Kurbanov in Yekaterinburg.
Curiosity and the ability to grasp the essence of what is being studied predetermine the author’s character and are reflected in the music he composes. His ability to look at things philosophically resonates with observers. Working with this or that musical material, Arystanbek believes that the chosen image dictates the genre. He believes that it is important to learn and explore, express oneself logically and vividly, “Sounds are the multidimensional details of intangible matter for the creation of living things. With this sentence I express my attitude to the work I do, to the material I produce, to what we call music. Read it carefully, imagine the meaning of each word, imagine the scale of the possibilities”.
Most of his compositions are written in chamber genres, which subtly reveal the artistic image and spiritual world of the author. His portfolio already includes professionally written works: “…” for violin, viola and cello (one-part piece, 2017), Hallelujah for mixed choir A capella (2018), Adagio for string orchestra (2019).
Arystanbek is open to musical experimentation to improve his compositional technique. He strives to work with people, groups, and not limit himself to computer programs. The musician explores in his works what he worries about. He is interested in humanity in its various manifestations. “The positive neighbors the negative – both sides are inherent in all of us. The best human qualities are expressed in God – the example, as a reference point, with which I check them and, if possible, with which I interact within the framework of the musical canvas. It is a thought – an image – that dictates all means of sound expression, and my task is to reveal them and use them for material embodiment”, Arystanbek says.
Review
Anton Somov, music expert
Anton Somov, music expert
"PRAY" for chamber ensemble
Arystanbek Abay
Arystanbek Abay
The young composer’s piece “Pray” arouses great interest, especially when you listen to it for the first time, when the most vivid emotional reaction occurs. On the one hand, you wonder how such a young man has managed to write a capacious and heartfelt musical text. On the other hand, one is amazed by the chosen artistic material – the story of Elijah the prophet. The author says, “For us, his story ends when he goes to heaven in a chariot of fire. We do not know the further circumstances. There was one turning point in his journey, quite complex one, which, I think may, shed some light on a subject of interest to me. His experience does not exactly fit my path, but there are facts I should consider, namely, the Elijah’s position in view of the circumstances and the God’s position.”
As a result, the listener comes to believe that this is not just an academic composition, but a profound, fully conceptual work written on a religious theme, which is realized and accepted by the author himself. In the academic environment, such themes are less and less common in composers’ works, although they were relevant in past centuries and, thanks to Bach, found their place in secular genres as well.
In my opinion, one should listen to this composition after a preliminary explanation based on Arystanbek’s notes with minor additions from the author of this text. Such a creative approach requires the composer to select the means of expression and the necessary compositional basis (form) as precisely as possible.
The form of the piece, aka the map, the paved path, is the four sections that follow each other. Each has its own title: prayer-earthquake-prayer-voice/wind. The instrumental composition is a quartet of woodwind instruments (flute, oboe, clarinet, bassoon), brass (trumpet and bass trombone), percussion (timpani and bells). How does all this influence the transfer of the ideological and artistic image? The answer lies in the author’s reflections, “In the composition, the chosen instruments are interpreted symbolically. Thus, the prayer is performed by a quartet of woodwind instruments – timbres close to human ones; the earthquake (one of the answers to the prayer) – brass trumpet and bass trombone, but not only that, the image also requires percussion instruments – timpani (four cauldrons). It follows that after the first prayer, which is expressed by the woodwind quartet, comes the first answer – an earthquake, with its timpani, trumpet and bass-trombone – a crushing calamity that leads the prayers to terror. After the earthquake, the prayers turn again to God for an answer and to understand what he wants to tell them. This prayer clearly changes – what has passed carries imprints – a percussion instrument accompanies the bells… At the end, the prayers are answered, it is a revelation – a quiet voice, a quite wind: who, if not a child, is closest to God? This timbre is a godsend for the image.”
These explanations allow us to navigate more freely in the musical text and understand some of its nuances. For example, in the first section, the “Prayer”, the emphasis is on the rising dissonant interval followed by a seemingly natural resolution. This is the main musical theme of the oboe soloing part. It evokes a wary feeling. It is a clear appeal to God with a question that needs an answer. Gradually the musical idea develops in the woodwind quartet part, the texture becomes more complex, and the dynamics become more intense.
In the second section, “Earthquake”, attention is drawn to the way the two musical layers are organized: the first one is in the woodwinds, which symbolize impulse and confusion, while the second one is in the brass and percussion, which create a sense of natural power and the experienced horror. The third and fourth sections, in my opinion, represent a logically constructed unified process. When the repeated prayer is followed by an answer sung by the voice, one cannot help but feel a kind of unity or agreement between the outer and inner worlds. It is worth noting that the main musical idea, the theme of the prayer, now sounds in the bassoon part. This artistic solution can be interpreted as a “symbol of the acquired wisdom” that emerged after the first earthquake response.
In the last section, to convey the image of the quiet wind, the vocal part is accompanied by the flutes in a very high register in pp. The other instruments of the woodwind quartet have large durations in the middle and low registers that do not draw the listener’s attention so strongly, and therefore the concentration on the voice that brings enlightenment and revelation to the prayers is so strong.
This piece can be turned to by people who are in search of spiritual answers, who are experiencing emotional stagnation, and who to some extent need outside support. In spite of the linearity and logicality of the musical line, and the elaborate choice of expressive means, in my opinion, the work has the potential for a greater scope. It could be the beginning of a larger canvas, in which the author would have the opportunity to reveal the plot more fully.
As a result, the listener comes to believe that this is not just an academic composition, but a profound, fully conceptual work written on a religious theme, which is realized and accepted by the author himself. In the academic environment, such themes are less and less common in composers’ works, although they were relevant in past centuries and, thanks to Bach, found their place in secular genres as well.
In my opinion, one should listen to this composition after a preliminary explanation based on Arystanbek’s notes with minor additions from the author of this text. Such a creative approach requires the composer to select the means of expression and the necessary compositional basis (form) as precisely as possible.
The form of the piece, aka the map, the paved path, is the four sections that follow each other. Each has its own title: prayer-earthquake-prayer-voice/wind. The instrumental composition is a quartet of woodwind instruments (flute, oboe, clarinet, bassoon), brass (trumpet and bass trombone), percussion (timpani and bells). How does all this influence the transfer of the ideological and artistic image? The answer lies in the author’s reflections, “In the composition, the chosen instruments are interpreted symbolically. Thus, the prayer is performed by a quartet of woodwind instruments – timbres close to human ones; the earthquake (one of the answers to the prayer) – brass trumpet and bass trombone, but not only that, the image also requires percussion instruments – timpani (four cauldrons). It follows that after the first prayer, which is expressed by the woodwind quartet, comes the first answer – an earthquake, with its timpani, trumpet and bass-trombone – a crushing calamity that leads the prayers to terror. After the earthquake, the prayers turn again to God for an answer and to understand what he wants to tell them. This prayer clearly changes – what has passed carries imprints – a percussion instrument accompanies the bells… At the end, the prayers are answered, it is a revelation – a quiet voice, a quite wind: who, if not a child, is closest to God? This timbre is a godsend for the image.”
These explanations allow us to navigate more freely in the musical text and understand some of its nuances. For example, in the first section, the “Prayer”, the emphasis is on the rising dissonant interval followed by a seemingly natural resolution. This is the main musical theme of the oboe soloing part. It evokes a wary feeling. It is a clear appeal to God with a question that needs an answer. Gradually the musical idea develops in the woodwind quartet part, the texture becomes more complex, and the dynamics become more intense.
In the second section, “Earthquake”, attention is drawn to the way the two musical layers are organized: the first one is in the woodwinds, which symbolize impulse and confusion, while the second one is in the brass and percussion, which create a sense of natural power and the experienced horror. The third and fourth sections, in my opinion, represent a logically constructed unified process. When the repeated prayer is followed by an answer sung by the voice, one cannot help but feel a kind of unity or agreement between the outer and inner worlds. It is worth noting that the main musical idea, the theme of the prayer, now sounds in the bassoon part. This artistic solution can be interpreted as a “symbol of the acquired wisdom” that emerged after the first earthquake response.
In the last section, to convey the image of the quiet wind, the vocal part is accompanied by the flutes in a very high register in pp. The other instruments of the woodwind quartet have large durations in the middle and low registers that do not draw the listener’s attention so strongly, and therefore the concentration on the voice that brings enlightenment and revelation to the prayers is so strong.
This piece can be turned to by people who are in search of spiritual answers, who are experiencing emotional stagnation, and who to some extent need outside support. In spite of the linearity and logicality of the musical line, and the elaborate choice of expressive means, in my opinion, the work has the potential for a greater scope. It could be the beginning of a larger canvas, in which the author would have the opportunity to reveal the plot more fully.
Певица, которая исполняет jazz, pop, r'n'b,
neo-soul. Назия сочиняет музыку, пишет каверы
на известные песни, в том числе, народные.
Это позволило ей найти собственный подход к исполнению джаза и по-новому трактовать народную музыку. Творчество и жизненную позицию Назии определяет ее девиз:
«Один в поле – воин!».
Долгое время Назия не могла себе признаться,
что хочет профессионально заниматься музыкой, поэтому ее первое профильное образование – переводчик-синхронист. Тем не менее, начав заниматься вокалом, она сразу полюбила джаз.
В 14 лет поступила в джазовую школу Тагира Зарипова (Джазовая детская музыкальная школа №4). После ее окончания стала заниматься
у джазовой певицы Ирэн Аравиной.
neo-soul. Назия сочиняет музыку, пишет каверы
на известные песни, в том числе, народные.
Это позволило ей найти собственный подход к исполнению джаза и по-новому трактовать народную музыку. Творчество и жизненную позицию Назии определяет ее девиз:
«Один в поле – воин!».
Долгое время Назия не могла себе признаться,
что хочет профессионально заниматься музыкой, поэтому ее первое профильное образование – переводчик-синхронист. Тем не менее, начав заниматься вокалом, она сразу полюбила джаз.
В 14 лет поступила в джазовую школу Тагира Зарипова (Джазовая детская музыкальная школа №4). После ее окончания стала заниматься
у джазовой певицы Ирэн Аравиной.
"Kisses"
Это сочинение со своей танцевально-клубной энергетикой не похоже на другое творчество Назии. В песне раскрывается иная сущность автора, выраженная в особой музыкальной гибкости и движении мелодии, ритмах, не совсем типичных для джазовых лирических композиций. Создается впечатление, что творческая натура Назии спонтанно нашла выход своим новым проявлениям. Важно отметить, что натуральное звучание инструментальных партий, в том числе духовых инструментов, заменено на электронное, что придает песне более современное, «попсовое» звучание. Как отмечает сама автор, работать с живым звучанием для нее – важный опыт. Назие хотелось попробовать себя именно в поп-музыке.
Nasiafromasia
Назия Альжанова
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
НАЗИЯ АЛЬЖАНОВА
NASIAFROMASIA
NASIAFROMASIA
Певица, которая исполняет jazz, pop, r'n'b, neo-soul. Назия сочиняет музыку, пишет каверы на известные песни, в том числе, народные. Это позволило ей найти собственный подход к исполнению джаза и по-новому трактовать народную музыку. Творчество и жизненную позицию Назии определяет ее девиз: «Один в поле – воин!».
Долгое время Назия не могла себе признаться, что хочет профессионально заниматься музыкой, поэтому ее первое профильное образование – переводчик-синхронист. Тем не менее, начав заниматься вокалом, она сразу полюбила джаз. В 14 лет поступила в джазовую школу Тагира Зарипова (Джазовая детская музыкальная школа №4). После ее окончания стала заниматься у джазовой певицы Ирэн Аравиной. Дополнительно обучалась вокалу на летних курсах в Беркли (Италия, Умбрия), после чего за два года окончила Миланскую академию Academy bel suono по классу современного вокала, где приобрела большой профессиональный опыт. Во время учебы особое внимание уделяла импровизации, что позволило ей научиться сочинять музыку «сходу».
Работала с Soul Note, Fisher Group, Atman, Talisman Band, симфоническим оркестром акима города Алматы (под управлением А. Белякова), Hapanasasa, IceCream band, Nasiafromasia band.
Сегодня артистка чувствует, что завершила активный период учебы и готова пробовать себя в роли педагога, а также организатора собственных концертов. Назия считает, что «талант – лишь маленький процент, остальное – труд, труд, труд. Нужно обязательно учиться правильно сочетать творческий и административный процессы и уметь на этом зарабатывать». Это дает возможность писать разнообразную и востребованную музыку, находиться в постоянном развитии. Внимание привлекает созданный Назией музыкальный проект «Открытый микрофон», где каждый любящий музыку человек может творчески проявить себя. Это место, где могут выступать люди с разными предпочтениями и способностями и выражать себя через музыку.
Назия уверена, что для музыкантов и музыкальных продюсеров не просто важно, но необходимо посещать все концерты, знакомиться с разными коллективами для расширения слушательского опыта и понимания рынка. Девушка считает, что у нас не может возникать проблем с исполнением музыки: «Любое здание, которое есть в Алматы, имеет потрясающую акустику. Это концертные залы, где может звучать любая музыка! В нашем оперном театре можно петь даже джаз; один и тот же исполнитель может петь в разных стилях и направлениях…
Музыка – это дар, она может пропасть, когда сама так решит. Я стараюсь быть честной, чтобы она всегда была со мной. В музыке не может быть целей, есть процесс, который, если повезет, дает результаты».
Долгое время Назия не могла себе признаться, что хочет профессионально заниматься музыкой, поэтому ее первое профильное образование – переводчик-синхронист. Тем не менее, начав заниматься вокалом, она сразу полюбила джаз. В 14 лет поступила в джазовую школу Тагира Зарипова (Джазовая детская музыкальная школа №4). После ее окончания стала заниматься у джазовой певицы Ирэн Аравиной. Дополнительно обучалась вокалу на летних курсах в Беркли (Италия, Умбрия), после чего за два года окончила Миланскую академию Academy bel suono по классу современного вокала, где приобрела большой профессиональный опыт. Во время учебы особое внимание уделяла импровизации, что позволило ей научиться сочинять музыку «сходу».
Работала с Soul Note, Fisher Group, Atman, Talisman Band, симфоническим оркестром акима города Алматы (под управлением А. Белякова), Hapanasasa, IceCream band, Nasiafromasia band.
Сегодня артистка чувствует, что завершила активный период учебы и готова пробовать себя в роли педагога, а также организатора собственных концертов. Назия считает, что «талант – лишь маленький процент, остальное – труд, труд, труд. Нужно обязательно учиться правильно сочетать творческий и административный процессы и уметь на этом зарабатывать». Это дает возможность писать разнообразную и востребованную музыку, находиться в постоянном развитии. Внимание привлекает созданный Назией музыкальный проект «Открытый микрофон», где каждый любящий музыку человек может творчески проявить себя. Это место, где могут выступать люди с разными предпочтениями и способностями и выражать себя через музыку.
Назия уверена, что для музыкантов и музыкальных продюсеров не просто важно, но необходимо посещать все концерты, знакомиться с разными коллективами для расширения слушательского опыта и понимания рынка. Девушка считает, что у нас не может возникать проблем с исполнением музыки: «Любое здание, которое есть в Алматы, имеет потрясающую акустику. Это концертные залы, где может звучать любая музыка! В нашем оперном театре можно петь даже джаз; один и тот же исполнитель может петь в разных стилях и направлениях…
Музыка – это дар, она может пропасть, когда сама так решит. Я стараюсь быть честной, чтобы она всегда была со мной. В музыке не может быть целей, есть процесс, который, если повезет, дает результаты».
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"KISSES"
nasiafromasia
nasiafromasia
Это сочинение со своей танцевально-клубной энергетикой не похоже на другое творчество Назии. В песне раскрывается иная сущность автора, выраженная в особой музыкальной гибкости и движении мелодии, ритмах, не совсем типичных для джазовых лирических композиций. Создается впечатление, что творческая натура Назии спонтанно нашла выход своим новым проявлениям. Важно отметить, что натуральное звучание инструментальных партий, в том числе духовых инструментов, заменено на электронное, что придает песне более современное, «попсовое» звучание. Как отмечает сама автор, работать с живым звучанием для нее – важный опыт. Назие хотелось попробовать себя именно в поп-музыке.
Песня начинается с пульсирующих сигнальных звуков, на фоне которых в низком регистре вступает основной волнообразный мелодический мотив, характерный своей напряженной пунктирно-синкопированной ритмической организацией. Это создает ощущение «досугового состояния», расслабленного и в то же время гибкого «нагловатого» движения, передающего клубную атмосферу. Сама вокальная партия, с авторской манерой исполнения – придыханием в голосе, бархатными переходами, мелизмами, небольшой напряженностью – пронизана восточными мотивами. Особый колорит всему этому придают тембр голоса Назии и барабанные удары.
Динамика песни выстраивается органично, по нарастающей. Она имеет внутренний потенциал, который заложен в самом начале и задает всей песне определенный темпоритм. Все последующие элементы (вокальная партия, электронные звуки, ударные инструменты, подголосочные мотивы в бэк-вокале) нанизываются один за другим в каждом новом витке развития и создают единую целостную композицию. Пик развития – второй куплет и последующий завершающий припев. С него усиливается ритмическая сторона, более выразительной становится линия баса. В голосе появляется некоторое напряжение, напор, в то время, как бэк-вокал сохраняет атмосферу таинственности и интимности.
Таким образом, за две с небольшим минуты у нас есть возможность зарядиться энергией, почувствовать пластику ритмической пульсации Востока, пропустить ее через себя и прикоснуться к «арабскому» сюжету с его палитрой тайн, сомнений, хитростей, страстных переживаний, любви. По сути – 1000 и 1 ночь в XXI веке.
Песня начинается с пульсирующих сигнальных звуков, на фоне которых в низком регистре вступает основной волнообразный мелодический мотив, характерный своей напряженной пунктирно-синкопированной ритмической организацией. Это создает ощущение «досугового состояния», расслабленного и в то же время гибкого «нагловатого» движения, передающего клубную атмосферу. Сама вокальная партия, с авторской манерой исполнения – придыханием в голосе, бархатными переходами, мелизмами, небольшой напряженностью – пронизана восточными мотивами. Особый колорит всему этому придают тембр голоса Назии и барабанные удары.
Динамика песни выстраивается органично, по нарастающей. Она имеет внутренний потенциал, который заложен в самом начале и задает всей песне определенный темпоритм. Все последующие элементы (вокальная партия, электронные звуки, ударные инструменты, подголосочные мотивы в бэк-вокале) нанизываются один за другим в каждом новом витке развития и создают единую целостную композицию. Пик развития – второй куплет и последующий завершающий припев. С него усиливается ритмическая сторона, более выразительной становится линия баса. В голосе появляется некоторое напряжение, напор, в то время, как бэк-вокал сохраняет атмосферу таинственности и интимности.
Таким образом, за две с небольшим минуты у нас есть возможность зарядиться энергией, почувствовать пластику ритмической пульсации Востока, пропустить ее через себя и прикоснуться к «арабскому» сюжету с его палитрой тайн, сомнений, хитростей, страстных переживаний, любви. По сути – 1000 и 1 ночь в XXI веке.
Работает как композитор и в академических направлениях – от классики до неоклассики, и в массовых – от поп-музыки и каверов до музыки к спектаклям и киносериалам. Но, все же, Шырын отдает предпочтение первым и специализируется на сочинении оркестровой и камерной музыки. Ее сочинения отличаются проницательностью, глубоким содержанием и обращением к национальным истокам. Она стремится переосмыслить и понять их значение в XXI веке.
Любовь к музыке девушке привил отец Амербек и мама Шынар. Начальное музыкальное образование Шырын получила в РССМШ им. К. Байсеитовой по классу домбры, после 9 класса перевелась на теоретическое отделение и, окончив школу, поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Римского-Корсакова в класс композиции профессора Александра Дерениковича Мнацаканяна, ученика Д.Д. Шостаковича.
Любовь к музыке девушке привил отец Амербек и мама Шынар. Начальное музыкальное образование Шырын получила в РССМШ им. К. Байсеитовой по классу домбры, после 9 класса перевелась на теоретическое отделение и, окончив школу, поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Римского-Корсакова в класс композиции профессора Александра Дерениковича Мнацаканяна, ученика Д.Д. Шостаковича.
Шырын Базаркулова
"Relation"
«Relation» для брасс-ансамбля – настоящий вклад в академическое духовое искусство нашей страны, так как музыка обладает ярким содержанием, изложена простым и в тоже время оригинальным авторским языком. Сочинения объединены, но могут исполняться как самостоятельные произведения. Состав – две трубы, валторна, туба.
Первая пьеса открывается лирическим соло тромбона. Мелодия, изложенная простыми длительностями, манера исполнения ассоциируются с выразительностью речи. Это повествовательный голос – глубокий, таинственный, с вопросительными интонациями и немного покачивающимся движением. Двухтактовая фраза особым образом воздействует на восприятие, вызывает ассоциации с вечерним пейзажем.
Первая пьеса открывается лирическим соло тромбона. Мелодия, изложенная простыми длительностями, манера исполнения ассоциируются с выразительностью речи. Это повествовательный голос – глубокий, таинственный, с вопросительными интонациями и немного покачивающимся движением. Двухтактовая фраза особым образом воздействует на восприятие, вызывает ассоциации с вечерним пейзажем.
for brass ensemble
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
ШЫРЫН БАЗАРКУЛОВА
Работает как композитор и в академических направлениях – от классики до неоклассики, и в массовых – от поп-музыки и каверов до музыки к спектаклям и киносериалам. Но, все же, Шырын отдает предпочтение первым и специализируется на сочинении оркестровой и камерной музыки. Ее сочинения отличаются проницательностью, глубоким содержанием и обращением к национальным истокам. Она стремится переосмыслить и понять их значение в XXI веке.
Любовь к музыке девушке привил отец Амербек и мама Шынар. Начальное музыкальное образование Шырын получила в РССМШ им. К. Байсеитовой по классу домбры, после 9 класса перевелась на теоретическое отделение и, окончив школу, поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Римского-Корсакова в класс композиции профессора Александра Дерениковича Мнацаканяна, ученика Д.Д. Шостаковича.
На развитие и становление ее музыкального языка, выбор средств выразительности повлияли композиторы К. Шильдебаев, Т. Кажгалиев, Н. Тлендиев, И. Стравинский, С. Прокофьев, Б. Барток, А. Пярт, Г. Канчелли, В. Лютославский и Р. Щедрин.
У Шырын большой опыт в сфере академической и массовой музыки. Она принимала участие в проекте Народной артистки РК Жании Аубакировой «Самғау», работала над оркестровкой и аранжировкой к киноэпопее «Путь лидера», в течение трех лет сотрудничала с драматическим театром имени М. Ауэзова и написала музыку к семи спектаклям совместно с А. Толукпаевым. Помимо этого, композитор писала музыку к сериалам и короткометражным картинам. Шырын – автор многих песен для казахстанских артистов.
Шырын участвовала в сольном концерте группы Magic of Nomads, была членом жюри первого конкурса композиторов от музыкального фонда Altyn Art, работала с музыкантами Ренатом Гайсиным, Адильжаном Толукпаевым и Виктором Хоменковым над сборником песен Игоря Крутого в переложении для разных инструментов. Шырын в этом проекте выступила в роли музыкального редактора. Также участвовала в проекте Junior Eurovision в качестве приглашенного композитора – создавала песни финала национального отбора.
Профессиональный опыт Шырын, несомненно, обогатило сотрудничество с Казахским государственным симфоническим оркестром филармонии им. Жамбыла (дирижеры Канат Омаров, Ваг Папян, Ерболат Ахмедияров), Студенческим симфоническим оркестром Казахской национальной консерватории им. Курмангазы (дирижеры Канат Омаров, Берик Батырхан, Мадияр Тойболды), Оркестром филармонии города Нур-Султан (дирижеры Берик Батырхан, Ернар Нуртазин), Оркестром Академии солистов, Эстрадно-симфоническим оркестром акима города Алматы (дирижер Александр Беляков), группой Saz&Soul. Сейчас она работает в творческой службе Казахконцерта как композитор-аранжировщик.
Область музыкальных интересов Шырын широка, в ее послужном списке большое количество сочинений. Так, например, в академическом направлении – вокальный цикл на стихи Олжаса Сулейменова, 10 обработок народных песен для фортепиано, струнный квартет, монодия для кларнета соло в двух частях, вариации для трубы и симфонического оркестра. Среди прочего, в ее портфолио музыка к спектаклю «Қас-Қағым» (реж. Елик Нурсултан), «Жүз жылдық махаббат» (реж. Алма Какишева), музыка к сериалу «Арманға 20 қадам», (реж. Қанағат Мустафин), а также свыше 30 песен.
Шырын мечтает о развитии академической классической и авангардной музыки в нашей стране, чтобы современный слушатель проявлял интерес к опере, балету и симфоническим концертам.
Заявленное произведение для музыкальной резиденции – 3 пьесы для духового квинтета. Состав: 2 трубы, тромбон, бас-тромбон, валторна. Написаны в свободной форме.
Любовь к музыке девушке привил отец Амербек и мама Шынар. Начальное музыкальное образование Шырын получила в РССМШ им. К. Байсеитовой по классу домбры, после 9 класса перевелась на теоретическое отделение и, окончив школу, поступила в Санкт-Петербургскую консерваторию им. Римского-Корсакова в класс композиции профессора Александра Дерениковича Мнацаканяна, ученика Д.Д. Шостаковича.
На развитие и становление ее музыкального языка, выбор средств выразительности повлияли композиторы К. Шильдебаев, Т. Кажгалиев, Н. Тлендиев, И. Стравинский, С. Прокофьев, Б. Барток, А. Пярт, Г. Канчелли, В. Лютославский и Р. Щедрин.
У Шырын большой опыт в сфере академической и массовой музыки. Она принимала участие в проекте Народной артистки РК Жании Аубакировой «Самғау», работала над оркестровкой и аранжировкой к киноэпопее «Путь лидера», в течение трех лет сотрудничала с драматическим театром имени М. Ауэзова и написала музыку к семи спектаклям совместно с А. Толукпаевым. Помимо этого, композитор писала музыку к сериалам и короткометражным картинам. Шырын – автор многих песен для казахстанских артистов.
Шырын участвовала в сольном концерте группы Magic of Nomads, была членом жюри первого конкурса композиторов от музыкального фонда Altyn Art, работала с музыкантами Ренатом Гайсиным, Адильжаном Толукпаевым и Виктором Хоменковым над сборником песен Игоря Крутого в переложении для разных инструментов. Шырын в этом проекте выступила в роли музыкального редактора. Также участвовала в проекте Junior Eurovision в качестве приглашенного композитора – создавала песни финала национального отбора.
Профессиональный опыт Шырын, несомненно, обогатило сотрудничество с Казахским государственным симфоническим оркестром филармонии им. Жамбыла (дирижеры Канат Омаров, Ваг Папян, Ерболат Ахмедияров), Студенческим симфоническим оркестром Казахской национальной консерватории им. Курмангазы (дирижеры Канат Омаров, Берик Батырхан, Мадияр Тойболды), Оркестром филармонии города Нур-Султан (дирижеры Берик Батырхан, Ернар Нуртазин), Оркестром Академии солистов, Эстрадно-симфоническим оркестром акима города Алматы (дирижер Александр Беляков), группой Saz&Soul. Сейчас она работает в творческой службе Казахконцерта как композитор-аранжировщик.
Область музыкальных интересов Шырын широка, в ее послужном списке большое количество сочинений. Так, например, в академическом направлении – вокальный цикл на стихи Олжаса Сулейменова, 10 обработок народных песен для фортепиано, струнный квартет, монодия для кларнета соло в двух частях, вариации для трубы и симфонического оркестра. Среди прочего, в ее портфолио музыка к спектаклю «Қас-Қағым» (реж. Елик Нурсултан), «Жүз жылдық махаббат» (реж. Алма Какишева), музыка к сериалу «Арманға 20 қадам», (реж. Қанағат Мустафин), а также свыше 30 песен.
Шырын мечтает о развитии академической классической и авангардной музыки в нашей стране, чтобы современный слушатель проявлял интерес к опере, балету и симфоническим концертам.
Заявленное произведение для музыкальной резиденции – 3 пьесы для духового квинтета. Состав: 2 трубы, тромбон, бас-тромбон, валторна. Написаны в свободной форме.
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"RELATION" for brass ensemble
Шырын Базаркулова
Шырын Базаркулова
«Relation» для брасс-ансамбля – настоящий вклад в академическое духовое искусство нашей страны, так как музыка обладает ярким содержанием, изложена простым и в тоже время оригинальным авторским языком. Сочинения объединены, но могут исполняться как самостоятельные произведения. Состав – две трубы, валторна, туба.
Первая пьеса открывается лирическим соло тромбона. Мелодия, изложенная простыми длительностями, манера исполнения ассоциируются с выразительностью речи. Это повествовательный голос – глубокий, таинственный, с вопросительными интонациями и немного покачивающимся движением. Двухтактовая фраза особым образом воздействует на восприятие, вызывает ассоциации с вечерним пейзажем. В качестве «ответного слова» звучат партии валторны, затем трубы. Эта вопросно-ответная структура неслучайна, она призвана передать непрерывность диалога. Партия трубы своей светлой окраской привносит тембровый контраст. В целом, автор использует интересные приемы уплотнения фактуры, динамического освещения составляющих ее элементов.
В конце пьесы весь инструментальный состав приходит к единению и звучит в тембре медных духовых инструментов, эффектно воздействуя на восприятие. Все звуковое полотно словно искрится и переливается красками, благодаря неожиданным сменам гармонии, включению неаккордовых звуков, выделенным соло трубы, а после – довольно резко наступающим тончайшим рр. Лирическое настроение сохраняется до последнего звука.
Вторая пьеса отличается подвижным темпом и более интенсивным развитием музыкального материала. На фоне ритм-поддержки у труб, тромбона и тубы звучит соло валторны, явно несущее в себе потенциал для развития. В мелодии появляются мелкие длительности, волнообразность, скачки. Весь этот по-новому организованный материал передается от одного медного инструмента другому, создавая своего рода переклички с постепенным усложнением мелодии, ритма, фактуры и, в целом, полифонизирует музыкальную ткань.
Пик музыкального развития приходится на раздел piu mosso и начинается с волевого фанфарного призыва в партии валторны. Последующее нисходящее движение, приглушенное звучание трубы и тромбона возвращают к лирическому настроению первой пьесы. После нескольких таких перекличек начинается непрерывное гибкое мелодическое движение, которое сочетается с ритмически пульсирующими другими голосами. Развитие естественным образом сменяется разряжением фактуры и, в целом, снятием напряжения в конце сочинения.
Вторая пьеса – это мастерски выстроенный в техническом плане материал, показывающий подвижность медных духовых, их выразительные возможности. В небольшой по размеру композиции представлены все ключевые разделы – экспозиционный, развивающий и заключительный, отличающиеся внутренней контрастностью и единством. Включение материала из первой пьесы в третью, завершающую пьесу этого небольшого инструментального цикла, создает своего рода интонационную арку, гармонично обрамляя музыкальный «триптих». Но теперь лирическое соло тромбона автор поручает другому инструменту – трубе, тембр которой придает звучанию особый завершающий характер. Другим отличием третьей пьесы от первой является интересный прием смены восходящего движения на нисходящее, своего рода интонирование в обращении.
Важно отметить, что способы решения композиционных и исполнительских проблем позволяют включить это сочинение в репертуар школьных и колледжных ансамблей и занять достойное место в репертуаре уже сложившихся брасс-коллективов. Композитор проявляет замечательную изобретательность в трактовке исполнительских возможностей медных духовых инструментов. Поэтому ее сочинение может стать началом формирования нового нотного фонда для этой интереснейшей группы инструментов.
Первая пьеса открывается лирическим соло тромбона. Мелодия, изложенная простыми длительностями, манера исполнения ассоциируются с выразительностью речи. Это повествовательный голос – глубокий, таинственный, с вопросительными интонациями и немного покачивающимся движением. Двухтактовая фраза особым образом воздействует на восприятие, вызывает ассоциации с вечерним пейзажем. В качестве «ответного слова» звучат партии валторны, затем трубы. Эта вопросно-ответная структура неслучайна, она призвана передать непрерывность диалога. Партия трубы своей светлой окраской привносит тембровый контраст. В целом, автор использует интересные приемы уплотнения фактуры, динамического освещения составляющих ее элементов.
В конце пьесы весь инструментальный состав приходит к единению и звучит в тембре медных духовых инструментов, эффектно воздействуя на восприятие. Все звуковое полотно словно искрится и переливается красками, благодаря неожиданным сменам гармонии, включению неаккордовых звуков, выделенным соло трубы, а после – довольно резко наступающим тончайшим рр. Лирическое настроение сохраняется до последнего звука.
Вторая пьеса отличается подвижным темпом и более интенсивным развитием музыкального материала. На фоне ритм-поддержки у труб, тромбона и тубы звучит соло валторны, явно несущее в себе потенциал для развития. В мелодии появляются мелкие длительности, волнообразность, скачки. Весь этот по-новому организованный материал передается от одного медного инструмента другому, создавая своего рода переклички с постепенным усложнением мелодии, ритма, фактуры и, в целом, полифонизирует музыкальную ткань.
Пик музыкального развития приходится на раздел piu mosso и начинается с волевого фанфарного призыва в партии валторны. Последующее нисходящее движение, приглушенное звучание трубы и тромбона возвращают к лирическому настроению первой пьесы. После нескольких таких перекличек начинается непрерывное гибкое мелодическое движение, которое сочетается с ритмически пульсирующими другими голосами. Развитие естественным образом сменяется разряжением фактуры и, в целом, снятием напряжения в конце сочинения.
Вторая пьеса – это мастерски выстроенный в техническом плане материал, показывающий подвижность медных духовых, их выразительные возможности. В небольшой по размеру композиции представлены все ключевые разделы – экспозиционный, развивающий и заключительный, отличающиеся внутренней контрастностью и единством. Включение материала из первой пьесы в третью, завершающую пьесу этого небольшого инструментального цикла, создает своего рода интонационную арку, гармонично обрамляя музыкальный «триптих». Но теперь лирическое соло тромбона автор поручает другому инструменту – трубе, тембр которой придает звучанию особый завершающий характер. Другим отличием третьей пьесы от первой является интересный прием смены восходящего движения на нисходящее, своего рода интонирование в обращении.
Важно отметить, что способы решения композиционных и исполнительских проблем позволяют включить это сочинение в репертуар школьных и колледжных ансамблей и занять достойное место в репертуаре уже сложившихся брасс-коллективов. Композитор проявляет замечательную изобретательность в трактовке исполнительских возможностей медных духовых инструментов. Поэтому ее сочинение может стать началом формирования нового нотного фонда для этой интереснейшей группы инструментов.
Художник, творческими средствами которой являются звуки природы, города, музыкальных инструментов, голоса. У нее нет музыкального академического образования. Дария занималась переводческим делом и владеет французским и английским языками. Отсутствие теоретических знаний в области музыкальной композиции не стало препятствием для творчества, а в некоторой степени, сделало ее опыт уникальным.
Дария занимается саунд-артом. Погрузившись в эту область достаточно глубоко, она убедилась, что в искусстве звука существуют методологические проблемы, о чем еще в 1937 году писал Джон Кейдж в своих статьях и музыкальных работах. Двоих авторов объединяет идея о том, что всякий звук является музыкой.
Дария занимается саунд-артом. Погрузившись в эту область достаточно глубоко, она убедилась, что в искусстве звука существуют методологические проблемы, о чем еще в 1937 году писал Джон Кейдж в своих статьях и музыкальных работах. Двоих авторов объединяет идея о том, что всякий звук является музыкой.
"Qonyr Jel"
Сочинение отличается от привычных нам произведений, так как представляет собой узкий жанр электронной музыки – эмбиент. Различие выражается в манере написания, ведь это чистый электронный эксперимент, зафиксированный только в звукозаписи, а также подборе и выборе «музыкального» материала – в данном случае записи ветра, отдельных звуков, исполненных на духовых инструментах. Кроме того, сочинение отличается протяженностью и композиционностью (тринадцатиминутное звуковое полотно без четких разделов и контуров) и восприятием (медиативное погружение в себя). Все перечисленное организовывается при помощи темпа, который помогает выстроить «путь погружения».
K.O.K.O.N.J.A
Дария нуртазина
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
ДАРИЯ НУРТАЗИНА
K.O.K.O.N.J.A
K.O.K.O.N.J.A
Художник, творческими средствами которой являются звуки природы, города, музыкальных инструментов, голоса. У нее нет музыкального академического образования. Дария занималась переводческим делом и владеет французским и английским языками. Отсутствие теоретических знаний в области музыкальной композиции не стало препятствием для творчества, а в некоторой степени, сделало ее опыт уникальным.
Дария занимается саунд-артом. Погрузившись в эту область достаточно глубоко, она убедилась, что в искусстве звука существуют методологические проблемы, о чем еще в 1937 году писал Джон Кейдж в своих статьях и музыкальных работах. Двоих авторов объединяет идея о том, что всякий звук является музыкой. Звук для Дарии – мощнейшее средство в искусстве. Музыка – то, что воссоздает природу жизни и дает ощущение объективности мира. Девушка работает в жанрах ambient, experimental, electronic.
В 2020 году Дария принимала участие в проекте «Stop, Collaborate and Listen!» онлайн-программы «Sonic Identity» QWAS Zurich University (Sound Art).
Творческий процесс Дарии начинается с записи городских и природных ландшафтов, звуков, которые можно извлечь из емкостей разных форм, пения и разговоров людей, шума ветра, техники. После этого она осуществляет мастеринг и сэмплирование звуков в программах, например, Abletone Live. В ходе работы с тем или иным материалом Дария следует за мыслью: «А что если…?». Критерием для выбора способа обработки звуков становятся ее собственные чувства и вкус: нравится или не нравится.
Отсутствие музыкального образования дает девушке определенную свободу от соблюдения жестких правил и ограничений в этой сфере. Желание творить подталкивает Дарию смотреть на привычные для музыкантов вещи с новой перспективы. Ей интересно, как тот или иной музыкальный инструмент может зазвучать иначе, какие звуки можно услышать в разных локациях или благодаря взаимодействию разных предметов, какова их природа или «вайб». «Тем не менее, нельзя сказать, что я как художник ухожу в эту сферу. Для меня это просто способ транслировать энергию. У меня нет академического образования, в моем роду нет музыкантов. Но мои родители, предки всегда пели, когда были увлечены чем-то. Музыка – неотъемлемая часть нашего существования».
Заявленное произведение для музыкальной резиденции – «Қоныр жел» (Qonyr Zhel). Это сочинение – попытка выразить то сложное, «смешанное» состояние, которое Дария часто переживает. Чтобы описать его, автор использует казахское слово «қоңыр». Главным звуковым материалом этого произведения является ветер. Движение воздуха воплощается через деревянные духовые инструменты, а также в фонограмме с домброй. В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве для придания ему статичности. Это произведение автор посвящает «всем людям, всему живому и неживому».
Дария занимается саунд-артом. Погрузившись в эту область достаточно глубоко, она убедилась, что в искусстве звука существуют методологические проблемы, о чем еще в 1937 году писал Джон Кейдж в своих статьях и музыкальных работах. Двоих авторов объединяет идея о том, что всякий звук является музыкой. Звук для Дарии – мощнейшее средство в искусстве. Музыка – то, что воссоздает природу жизни и дает ощущение объективности мира. Девушка работает в жанрах ambient, experimental, electronic.
В 2020 году Дария принимала участие в проекте «Stop, Collaborate and Listen!» онлайн-программы «Sonic Identity» QWAS Zurich University (Sound Art).
Творческий процесс Дарии начинается с записи городских и природных ландшафтов, звуков, которые можно извлечь из емкостей разных форм, пения и разговоров людей, шума ветра, техники. После этого она осуществляет мастеринг и сэмплирование звуков в программах, например, Abletone Live. В ходе работы с тем или иным материалом Дария следует за мыслью: «А что если…?». Критерием для выбора способа обработки звуков становятся ее собственные чувства и вкус: нравится или не нравится.
Отсутствие музыкального образования дает девушке определенную свободу от соблюдения жестких правил и ограничений в этой сфере. Желание творить подталкивает Дарию смотреть на привычные для музыкантов вещи с новой перспективы. Ей интересно, как тот или иной музыкальный инструмент может зазвучать иначе, какие звуки можно услышать в разных локациях или благодаря взаимодействию разных предметов, какова их природа или «вайб». «Тем не менее, нельзя сказать, что я как художник ухожу в эту сферу. Для меня это просто способ транслировать энергию. У меня нет академического образования, в моем роду нет музыкантов. Но мои родители, предки всегда пели, когда были увлечены чем-то. Музыка – неотъемлемая часть нашего существования».
Заявленное произведение для музыкальной резиденции – «Қоныр жел» (Qonyr Zhel). Это сочинение – попытка выразить то сложное, «смешанное» состояние, которое Дария часто переживает. Чтобы описать его, автор использует казахское слово «қоңыр». Главным звуковым материалом этого произведения является ветер. Движение воздуха воплощается через деревянные духовые инструменты, а также в фонограмме с домброй. В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве для придания ему статичности. Это произведение автор посвящает «всем людям, всему живому и неживому».
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"QONYR JEL"
k.o.k.o.n.j.a
k.o.k.o.n.j.a
Сочинение отличается от привычных нам произведений, так как представляет собой узкий жанр электронной музыки – эмбиент. Различие выражается в манере написания, ведь это чистый электронный эксперимент, зафиксированный только в звукозаписи, а также подборе и выборе «музыкального» материала – в данном случае записи ветра, отдельных звуков, исполненных на духовых инструментах. Кроме того, сочинение отличается протяженностью и композиционностью (тринадцатиминутное звуковое полотно без четких разделов и контуров) и восприятием (медиативное погружение в себя). Все перечисленное организовывается при помощи темпа, который помогает выстроить «путь погружения». Начальная точка – звучание в медленном темпе с постепенным ускорением, с середины до следующей точки – ускорение, финиш – медленный темп вплоть до полного его растворения. При написании этого сочинения автор вдохновлялась Томом Йорком и Аки Онда. В процессе работы и фиксации найденных решений полагалась на собственные чувствительность и интуицию.
Вся звуковая масса, которая последовательно укладывается в структурированный процесс, создает впечатление полетности, летучести, что соответствует жанру эмбиент. И это не случайно, ведь Дария обращается к слову «қоңыр», говоря, что «для казахов оно имеет философское онтологическое значение: раньше им описывали что-то из повседневной жизни: время суток (қоңыр кеш), ветер (қоңыр жел), голос (қоңыр дауыс), музыку (қоңыр саз/күй)».
В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве у флейты, гобоя и кларнета, что делает звуковое полотно одновременно статичным и динамичным. Последнее передается через ветер и воздух – духовые деревянные инструменты, а также фонограмму с записью домбры. Все это – идейно-художественный образ ветра, переданный максимально точно при помощи технической обработки.
Слушая это сочинение, невольно ловишь себя на мысли, что ветер, он же поток воздуха, действительно обладает невероятными свойствами. Он способен не только переносить звуки, передавать информацию, воспроизводить звук, но и сохранять их в себе. Удивительно, что при разной силе потока, содержание его не улетучивается. Поэтому при прослушивании может показаться, что нам слышится чей-то голос, человеческая речь, звуки музыкальных инструментов, что-то близкое и понятное каждому.
Уникальность замысла определяется природными свойствами каждого используемого компонента. В сочинении ничто не зафиксировано нотами, все изложенные ритмы получились сами собой, благодаря записи в естественных условиях.
Как отмечает Дария: «Мир переполняется. В каждодневной жизни слишком много суеты: не остается времени и ресурсов чтобы вспоминать о доме. Нужно иногда замедляться. Эмбиент это делает: его минималистская музыка оставляет пространство для потока мыслей, созерцания. Эмбиент – это про погружение, это – күй, который в переводе с казахского означает «состояние». Можно сказать, что сочинение передает определенное состояние, побуждает сконцентрироваться на собственных ощущениях, на том, что переживает наше тело как проводник между разными информационными и временными областями.
Вся звуковая масса, которая последовательно укладывается в структурированный процесс, создает впечатление полетности, летучести, что соответствует жанру эмбиент. И это не случайно, ведь Дария обращается к слову «қоңыр», говоря, что «для казахов оно имеет философское онтологическое значение: раньше им описывали что-то из повседневной жизни: время суток (қоңыр кеш), ветер (қоңыр жел), голос (қоңыр дауыс), музыку (қоңыр саз/күй)».
В произведении использованы всего 4 ноты в одной октаве у флейты, гобоя и кларнета, что делает звуковое полотно одновременно статичным и динамичным. Последнее передается через ветер и воздух – духовые деревянные инструменты, а также фонограмму с записью домбры. Все это – идейно-художественный образ ветра, переданный максимально точно при помощи технической обработки.
Слушая это сочинение, невольно ловишь себя на мысли, что ветер, он же поток воздуха, действительно обладает невероятными свойствами. Он способен не только переносить звуки, передавать информацию, воспроизводить звук, но и сохранять их в себе. Удивительно, что при разной силе потока, содержание его не улетучивается. Поэтому при прослушивании может показаться, что нам слышится чей-то голос, человеческая речь, звуки музыкальных инструментов, что-то близкое и понятное каждому.
Уникальность замысла определяется природными свойствами каждого используемого компонента. В сочинении ничто не зафиксировано нотами, все изложенные ритмы получились сами собой, благодаря записи в естественных условиях.
Как отмечает Дария: «Мир переполняется. В каждодневной жизни слишком много суеты: не остается времени и ресурсов чтобы вспоминать о доме. Нужно иногда замедляться. Эмбиент это делает: его минималистская музыка оставляет пространство для потока мыслей, созерцания. Эмбиент – это про погружение, это – күй, который в переводе с казахского означает «состояние». Можно сказать, что сочинение передает определенное состояние, побуждает сконцентрироваться на собственных ощущениях, на том, что переживает наше тело как проводник между разными информационными и временными областями.
Музыкант, пианист и вокалист. Работает, в основном, в жанрах соул и поп, стремится ярко и с полной жизненной силой развивать свое творчество. Тембр голоса интересный и своеобразный, соответствует соул-исполнителю. Многие музыканты сравнивают его со Стиви Уандером, который, действительно, оказал большое влияние на формирование стиля и художественного вкуса Жениса.
Музыкой начал заниматься с ранних лет: сочинял песни и пел под гитару. В студенческие годы ему была особенно интересна джазовая гармония, в результате Женис начал применять приобретенные навыки для работы в стиле соул и других направлениях.
Музыкой начал заниматься с ранних лет: сочинял песни и пел под гитару. В студенческие годы ему была особенно интересна джазовая гармония, в результате Женис начал применять приобретенные навыки для работы в стиле соул и других направлениях.
Soul note
"My Soul"
Песня отражает жизненную позицию автора, и, если всмотреться пристальнее, – состояние души ("soul" с английского переводится как «душа»). Отличительная черта композиции – ощущение свободы, позитивного спокойствия, принятия себя и выбранного пути. Каждое слово – это энергетический поток, который побуждает к осознанию своего места в мире.
Соул с его характерным эмоционально-чувственным настроем выбран как нельзя кстати. Легкое невесомое инструментальное вступление на фоне шуршащего звука старой пластинки создает уютную солнечную атмосферу. Сохраняющийся в таком же ключе аккомпанемент клавишных дает слушателю возможность расслабиться и получать удовольствие от музыки в целом и от тембра голоса солистов. Особый колорит брасс-вставок работает как некий импульс к действию.
Соул с его характерным эмоционально-чувственным настроем выбран как нельзя кстати. Легкое невесомое инструментальное вступление на фоне шуршащего звука старой пластинки создает уютную солнечную атмосферу. Сохраняющийся в таком же ключе аккомпанемент клавишных дает слушателю возможность расслабиться и получать удовольствие от музыки в целом и от тембра голоса солистов. Особый колорит брасс-вставок работает как некий импульс к действию.
Женис Нургали
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
ЖЕНИС НУРГАЛИ
SOUL NOTE
SOUL NOTE
Музыкант, пианист и вокалист. Работает, в основном, в жанрах соул и поп, стремится ярко и с полной жизненной силой развивать свое творчество. Тембр голоса интересный и своеобразный, соответствует соул-исполнителю. Многие музыканты сравнивают его со Стиви Уандером, который, действительно, оказал большое влияние на формирование стиля и художественного вкуса Жениса.
Музыкой начал заниматься с ранних лет: сочинял песни и пел под гитару. В студенческие годы ему была особенно интересна джазовая гармония, в результате Женис начал применять приобретенные навыки для работы в стиле соул и других направлениях.
Артист придерживается мнения, что для формирования хорошего музыкального вкуса и профессионализма исполнителям необходимо слушать больше качественной музыки, по возможности – исполнять ее. Поэтому его творческий процесс – это ежедневный труд, занятия за инструментом и поиск звучания, которое будет находить отклик в душе, позволит погрузиться в мир выраженных эмоций, чувств и ощущений. Постепенно и органично складывается художественный и звуковой образ сочинения...
Источниками вдохновения для Жениса служат люди, верные себе и своему делу, иногда нечто несущественное, мелочь, которую можно даже не заметить, если не быть внимательным, и, конечно – музыка. Как говорит сам Женис: «Есть песни, композиции, обладающие невероятными свойствами. Они мотивируют даже в самые сложные времена». Так, заявленная в рамках музыкальной резиденции песня «My Soul» – это синтез музыки и состояния души исполнителя. «Главное – найти свое, осознать и ценить. Это моя душа, «My Soul»! Я думаю, музыка – это отражение души».
Образ жизни и работы Жениса полны добрых намерений и искреннего желания творить, и это подкупает.
Музыкой начал заниматься с ранних лет: сочинял песни и пел под гитару. В студенческие годы ему была особенно интересна джазовая гармония, в результате Женис начал применять приобретенные навыки для работы в стиле соул и других направлениях.
Артист придерживается мнения, что для формирования хорошего музыкального вкуса и профессионализма исполнителям необходимо слушать больше качественной музыки, по возможности – исполнять ее. Поэтому его творческий процесс – это ежедневный труд, занятия за инструментом и поиск звучания, которое будет находить отклик в душе, позволит погрузиться в мир выраженных эмоций, чувств и ощущений. Постепенно и органично складывается художественный и звуковой образ сочинения...
Источниками вдохновения для Жениса служат люди, верные себе и своему делу, иногда нечто несущественное, мелочь, которую можно даже не заметить, если не быть внимательным, и, конечно – музыка. Как говорит сам Женис: «Есть песни, композиции, обладающие невероятными свойствами. Они мотивируют даже в самые сложные времена». Так, заявленная в рамках музыкальной резиденции песня «My Soul» – это синтез музыки и состояния души исполнителя. «Главное – найти свое, осознать и ценить. Это моя душа, «My Soul»! Я думаю, музыка – это отражение души».
Образ жизни и работы Жениса полны добрых намерений и искреннего желания творить, и это подкупает.
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"MY SOUL"
Soul Note
Soul Note
Песня отражает жизненную позицию автора, и, если всмотреться пристальнее, – состояние души ("soul" с английского переводится как «душа»). Отличительная черта композиции – ощущение свободы, позитивного спокойствия, принятия себя и выбранного пути. Каждое слово – это энергетический поток, который побуждает к осознанию своего места в мире.
Соул с его характерным эмоционально-чувственным настроем выбран как нельзя кстати. Легкое невесомое инструментальное вступление на фоне шуршащего звука старой пластинки создает уютную солнечную атмосферу. Сохраняющийся в таком же ключе аккомпанемент клавишных дает слушателю возможность расслабиться и получать удовольствие от музыки в целом и от тембра голоса солистов. Особый колорит брасс-вставок работает как некий импульс к действию.
Ритмическая пульсация клавишных сохраняется до середины песни. Потом происходит интересное погружение в музыкальную напевную речитацию у партии Nasiafromasia, словно наводящую на мысль, как важно позволять людям быть самими собой. В этом разделе внимание сосредоточенно на тексте, в связи с чем инструментальная составляющая не акцентируется, а лишь поддерживает покачивающийся, слегка пульсирующий ритм.
В целом неспешный темп и плавные переливы пассажей у выбранных инструментов и вокальной партии создают общий просветленно-поэтический настрой и характерную для школы соул технику инструментовки. Сочинение выделяется среди множества других песен этого жанра, потому что говорит не о проблемах и печали, а воспринимается как поток позитива, помогающий поверить в себя.
Соул с его характерным эмоционально-чувственным настроем выбран как нельзя кстати. Легкое невесомое инструментальное вступление на фоне шуршащего звука старой пластинки создает уютную солнечную атмосферу. Сохраняющийся в таком же ключе аккомпанемент клавишных дает слушателю возможность расслабиться и получать удовольствие от музыки в целом и от тембра голоса солистов. Особый колорит брасс-вставок работает как некий импульс к действию.
Ритмическая пульсация клавишных сохраняется до середины песни. Потом происходит интересное погружение в музыкальную напевную речитацию у партии Nasiafromasia, словно наводящую на мысль, как важно позволять людям быть самими собой. В этом разделе внимание сосредоточенно на тексте, в связи с чем инструментальная составляющая не акцентируется, а лишь поддерживает покачивающийся, слегка пульсирующий ритм.
В целом неспешный темп и плавные переливы пассажей у выбранных инструментов и вокальной партии создают общий просветленно-поэтический настрой и характерную для школы соул технику инструментовки. Сочинение выделяется среди множества других песен этого жанра, потому что говорит не о проблемах и печали, а воспринимается как поток позитива, помогающий поверить в себя.
Звукорежиссер и продюсер, который на протяжении семи лет сотрудничает с представителями независимой казахстанской сцены: Me and my invisible orchestra, Darkhan Juzz, AIGÜL, sobakasoma, Игорем Бушмелевым и другими. Он продюсирует музыкальные релизы, пишет аранжировки для артистов и музыку к спектаклям, в основном работая в таких жанрах, как дрим- и инди-поп, трип-хоп. В последнем Константин выпустил EP под сценическим именем
El Koss. Помимо этого, Константин пишет и электронную музыку, занимаясь также гост-продакшном.
El Koss. Помимо этого, Константин пишет и электронную музыку, занимаясь также гост-продакшном.
"Never fall in love"
Песня коллектива, который обращается к музыкальной традиции, – пример весьма удачного решения, которое позволяет почувствовать историю, осознать значимость сформированных в прошлом художественных ценностей. Песня написана в жанре американского джаза в сочетании с блюзом в манере 60-х годов ХХ века. Как отмечают участники коллектива, «эта композиция была создана как способ примерить на себя и прочувствовать эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Это исповедь, с долей горькой самоиронии, человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно — вдруг он никогда не сможет никого полюбить и никому довериться? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви».
Me and my
invisible orhcestra
invisible orhcestra
константин Кохан
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
КОНСТАНТИН КОХАН
ME AND MY INVISIBLE ORCHESTRA
ME AND MY INVISIBLE ORCHESTRA
Звукорежиссер и продюсер, который на протяжении семи лет сотрудничает с представителями независимой казахстанской сцены: Me and my invisible orchestra, Darkhan Juzz, AIGÜL, sobakasoma, Игорем Бушмелевым и другими. Он продюсирует музыкальные релизы, пишет аранжировки для артистов и музыку к спектаклям, в основном работая в таких жанрах, как дрим- и инди-поп, трип-хоп. В последнем Константин выпустил EP под сценическим именем El Koss. Помимо этого, Константин пишет и электронную музыку, занимаясь также гост-продакшном.
Он признается, что из-за отсутствия музыкального образования ему сложно считать себя композитором. Но, на мой взгляд, его технические навыки и звукорежиссерское образование доказывают обратное: Константин напрямую работает с музыкальным материалом, исполнителями и разными составами, но при этом фиксирует процесс и результат в глубоко индивидуальной манере.
У Константина выражены чутье на гармоничное и естественное звучание, особая эстетика воплощения материала, четкое видение того, что и как должно работать в композиции, – словом, все присущие композиторам качества.
В поле его творческой и профессиональной деятельности попадает работа с артистами, помощь в реализации их идей, а также то, что он пишет для себя. Музыку Константин, по его словам, воспринимает через эмоции, слышит ее цветовой окрас, а простота для него – важнейшая характеристика сочинения.
За плечами у Константина много интересных проектов: например, музыка к спектаклю «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» (режиссер-постановщик Куба Адылов). В последнее время особое место в творчестве продюсера занимает совместная работа с Маликой Колесовой над проектом Me and My Invisible Orchestra.
В рамках резиденции было записано произведение Never Fall In Love. Слова, мелодия, вокал – Малика Колесова, контрабас – Алтынбек Мурзабеков, ударные – Константин Зимарин, гитара – Руслан Журбин, клавиши – Семен Баев, брасс-секция – Брасс Бэнд Нурболсына Толеухана; продюсирование, аранжировка, запись и сведение – Константин.
Never Fall In Love – дань уважения американской джазовой и блюзовой эстраде 60-х годов прошлого века. Попытка через имитацию прочувствовать атмосферу музыки того времени, которая стала истоком многих современных жанров и отличалась акцентом на сторителлинг. Эта композиция была создана как способ «примерить на себя» эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Лиричность композиции характерна для песен того времени. Это исповедь – с долей горькой самоиронии – человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно: вдруг он никогда не сможет никого полюбить и довериться кому-то? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви.
Он признается, что из-за отсутствия музыкального образования ему сложно считать себя композитором. Но, на мой взгляд, его технические навыки и звукорежиссерское образование доказывают обратное: Константин напрямую работает с музыкальным материалом, исполнителями и разными составами, но при этом фиксирует процесс и результат в глубоко индивидуальной манере.
У Константина выражены чутье на гармоничное и естественное звучание, особая эстетика воплощения материала, четкое видение того, что и как должно работать в композиции, – словом, все присущие композиторам качества.
В поле его творческой и профессиональной деятельности попадает работа с артистами, помощь в реализации их идей, а также то, что он пишет для себя. Музыку Константин, по его словам, воспринимает через эмоции, слышит ее цветовой окрас, а простота для него – важнейшая характеристика сочинения.
За плечами у Константина много интересных проектов: например, музыка к спектаклю «Розенкранц и Гильденстерн мертвы» (режиссер-постановщик Куба Адылов). В последнее время особое место в творчестве продюсера занимает совместная работа с Маликой Колесовой над проектом Me and My Invisible Orchestra.
В рамках резиденции было записано произведение Never Fall In Love. Слова, мелодия, вокал – Малика Колесова, контрабас – Алтынбек Мурзабеков, ударные – Константин Зимарин, гитара – Руслан Журбин, клавиши – Семен Баев, брасс-секция – Брасс Бэнд Нурболсына Толеухана; продюсирование, аранжировка, запись и сведение – Константин.
Never Fall In Love – дань уважения американской джазовой и блюзовой эстраде 60-х годов прошлого века. Попытка через имитацию прочувствовать атмосферу музыки того времени, которая стала истоком многих современных жанров и отличалась акцентом на сторителлинг. Эта композиция была создана как способ «примерить на себя» эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Лиричность композиции характерна для песен того времени. Это исповедь – с долей горькой самоиронии – человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно: вдруг он никогда не сможет никого полюбить и довериться кому-то? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви.
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"NEVER FALL IN LOVE"
Me and my invisible orchestra
Me and my invisible orchestra
Песня коллектива, который обращается к музыкальной традиции, – пример весьма удачного решения, которое позволяет почувствовать историю, осознать значимость сформированных в прошлом художественных ценностей. Песня написана в жанре американского джаза в сочетании с блюзом в манере 60-х годов ХХ века. Как отмечают участники коллектива, «эта композиция была создана как способ примерить на себя и прочувствовать эпоху Билли Холидей, Дины Вашингтон, Пэтси Клайн. Это исповедь, с долей горькой самоиронии, человека, который так привык быть один и делать все сам, что ему становится страшно — вдруг он никогда не сможет никого полюбить и никому довериться? Но в то же время герой не желает быть с кем-то без любви».
Используемый состав – брасс-бэнд, ударная секция, электрогитара, вокальная партия. Лирическая составляющая композиции характерна для песен того времени. Заявленные тембровые решения согласуются с выбором инструментального состава, соответствуют жанру, усиливаются манерой вокального исполнения – характерное расширение при помощи носовых гортанных звуков, шепот, резкое форсирование нот, подражание звучанию духовых инструментов.
Блюзовая манера исполнения постепенно проникала во многие музыкальные жанры, что позволило блюзу завоевать определенную популярность. Как и ранее утвержденная форма организации композиции, гармонические решения в сопровождении мелодии на основе блюзового лада нашли свое место в песне «Never Fall In Love».
Открывается песня инструментальным вступлением в манере бендинга. Затем ритм-секция задает спокойный темп, выдерживая ритмический рисунок. Вступающая вокальная партия также использует манеру бендинга, что придает мелодии эффект непредсказуемой переменчивости, гибкости, плавности скольжения с элементом некой вальяжности. Характерным приемом также можно назвать ритмическую пульсацию в окончаниях фраз и инструментальные проигрыши.
Особая подача и организация музыкальной ткани делают это произведение доступным каждому, но при этом те, кто ценит историю джазового искусства, смогут насладиться его новым прочтением.
Используемый состав – брасс-бэнд, ударная секция, электрогитара, вокальная партия. Лирическая составляющая композиции характерна для песен того времени. Заявленные тембровые решения согласуются с выбором инструментального состава, соответствуют жанру, усиливаются манерой вокального исполнения – характерное расширение при помощи носовых гортанных звуков, шепот, резкое форсирование нот, подражание звучанию духовых инструментов.
Блюзовая манера исполнения постепенно проникала во многие музыкальные жанры, что позволило блюзу завоевать определенную популярность. Как и ранее утвержденная форма организации композиции, гармонические решения в сопровождении мелодии на основе блюзового лада нашли свое место в песне «Never Fall In Love».
Открывается песня инструментальным вступлением в манере бендинга. Затем ритм-секция задает спокойный темп, выдерживая ритмический рисунок. Вступающая вокальная партия также использует манеру бендинга, что придает мелодии эффект непредсказуемой переменчивости, гибкости, плавности скольжения с элементом некой вальяжности. Характерным приемом также можно назвать ритмическую пульсацию в окончаниях фраз и инструментальные проигрыши.
Особая подача и организация музыкальной ткани делают это произведение доступным каждому, но при этом те, кто ценит историю джазового искусства, смогут насладиться его новым прочтением.
Композитор, саксофонист, который пишет музыку, не оглядываясь на массовый вкус современных казахстанских слушателей и исполнителей. Это преимущественно рок в синтезе с другими направлениями, но с характерными для него свойствами – самодостаточностью, мятежностью, раскованностью и резкостью, которые дополнены индивидуальными композиционными приемами Дамира, а именно, сочетанием мелких контрастных компонентов в одном звучащем полотне. Музыкант работает в направлениях jazz, ethno, art rock, indie rock, fusion, ethno rock, jazz rock.
Damu
"Apashkas Dance"
Название музыкального сочинения отражает его содержание – таково его назначение. Однако, в некоторых случаях, название не совпадает с результатом, а порой даже противоречит ему. И это тоже может стать показателем оригинальности замысла, отношения автора к реальности. Композиция «Apashkas dance», как может показаться, должна нести черты танцевального жанра либо отражать какое-то событие. Сам автор отмечает, что это «реверанс» казахстанскому той-бизнесу. Можно ждать, что нам представят традиционный для индустрии музыкальный материал, либо продемонстрируют свой взгляд на него через язык музыки.
Дамир Уйсумбаев
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
ДАМИР УЙСУМБАЕВ
DAMU
DAMU
Композитор, саксофонист, который пишет музыку, не оглядываясь на массовый вкус современных казахстанских слушателей и исполнителей. Это преимущественно рок в синтезе с другими направлениями, но с характерными для него свойствами – самодостаточностью, мятежностью, раскованностью и резкостью, которые дополнены индивидуальными композиционными приемами Дамира, а именно, сочетанием мелких контрастных компонентов в одном звучащем полотне. Музыкант работает в направлениях jazz, ethno, art rock, indie rock, fusion, ethno rock, jazz rock.
Дамир обучался в колледже по классу саксофона. Получив начальный исполнительский опыт, занялся композиторской деятельностью. Эти грани творческого процесса всегда были взаимосвязаны для музыканта. Дамира интересовали новые исполнительские техники и необычные приемы звукоизвлечения, – все это находило место в его сочинениях. По мнению Дамира, к музыканту в любой момент может прийти идея в виде ритма или мелодии. «Далее я беру один из музыкальных инструментов и начинаю вырисовывать мелодию на нем. Записываю все идеи в музыкальном редакторе. В процессе образуются соответствующие структура и объем. Бывает, что мне нужно больше времени и экспериментов для осознания целостности композиции и уместности того или иного звучания. После приходит момент, когда нужно оставить в покое уже самодостаточный трек, чтобы не испортить и не разрушить собственные изначальные ожидания».
На сегодняшний день Дамир владеет сыбызгы, гитарой, бас-гитарой и клавишными инструментами. Как исполнитель и композитор он стремится пропагандировать казахские народные песни, приблизить их к нашему времени, обогащая музыкальный язык современными средствами. Для этого прорабатывает не только аудиальный материал, но и дополняет его визуальным, создавая видеоклипы. Его фанатичность и вовлеченность в творческие проекты восхищают. Не случайно музыкант говорит: «Любой эксперимент – это опыт».
Дамир входит в состав проекта Aray Tribute, в рамках которого выступает Роза Рымбаева и другие ведущие современные артисты Казахстана. Это значимый проект для казахстанской культуры, все участники которого стремятся продвигать качественную профессиональную музыку.
Произведение, написанное в рамках резиденции, – Apashkas Dance, реверанс той-бизнесу и его многогранности, характерной для казахстанского музыкального рынка. Состав: бас, гитара, фортепиано, барабаны, саксофон.
Дамир обучался в колледже по классу саксофона. Получив начальный исполнительский опыт, занялся композиторской деятельностью. Эти грани творческого процесса всегда были взаимосвязаны для музыканта. Дамира интересовали новые исполнительские техники и необычные приемы звукоизвлечения, – все это находило место в его сочинениях. По мнению Дамира, к музыканту в любой момент может прийти идея в виде ритма или мелодии. «Далее я беру один из музыкальных инструментов и начинаю вырисовывать мелодию на нем. Записываю все идеи в музыкальном редакторе. В процессе образуются соответствующие структура и объем. Бывает, что мне нужно больше времени и экспериментов для осознания целостности композиции и уместности того или иного звучания. После приходит момент, когда нужно оставить в покое уже самодостаточный трек, чтобы не испортить и не разрушить собственные изначальные ожидания».
На сегодняшний день Дамир владеет сыбызгы, гитарой, бас-гитарой и клавишными инструментами. Как исполнитель и композитор он стремится пропагандировать казахские народные песни, приблизить их к нашему времени, обогащая музыкальный язык современными средствами. Для этого прорабатывает не только аудиальный материал, но и дополняет его визуальным, создавая видеоклипы. Его фанатичность и вовлеченность в творческие проекты восхищают. Не случайно музыкант говорит: «Любой эксперимент – это опыт».
Дамир входит в состав проекта Aray Tribute, в рамках которого выступает Роза Рымбаева и другие ведущие современные артисты Казахстана. Это значимый проект для казахстанской культуры, все участники которого стремятся продвигать качественную профессиональную музыку.
Произведение, написанное в рамках резиденции, – Apashkas Dance, реверанс той-бизнесу и его многогранности, характерной для казахстанского музыкального рынка. Состав: бас, гитара, фортепиано, барабаны, саксофон.
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"APASHKAS DANCE"
Damu
Damu
Название музыкального сочинения отражает его содержание – таково его назначение. Однако, в некоторых случаях, название не совпадает с результатом, а порой даже противоречит ему. И это тоже может стать показателем оригинальности замысла, отношения автора к реальности. Композиция «Apashkas dance», как может показаться, должна нести черты танцевального жанра либо отражать какое-то событие. Сам автор отмечает, что это «реверанс» казахстанскому той-бизнесу. Можно ждать, что нам представят традиционный для индустрии музыкальный материал, либо продемонстрируют свой взгляд на него через язык музыки.
В итоге оправдывается второй вариант. Выбранное название оказывается иронией, вызовом современной казахстанской музыкальной «индустрии», которая отличается излишне упрощенным языком и подобной же подачей материала, отсутствием глубокого содержания. Первое, на что стоит обратить внимание в «Apashkas dance», – непрерывный напористый поток музыкального развития, который с исполнительской стороны показывает сложнейшие технические возможности инструментальной музыки. Сквозной тип развития не позволяет слушателю остановиться и поразмышлять, задуматься, да и к танцам не располагает. Слушатель погружен в поток, ощущает суровую реальность.
Состав – тенор-саксофон, ударная секция, фортепиано, электрогитара, бас-гитара. На начальном этапе настрой создают партии фортепиано, ударных и бас-гитары, которые изложены мелкими длительностями в пунктирном и синкопированном ритме. На их фоне в унисон звучит партия саксофонов. Мелодия у них отличается колкостью из-за начальной интонации нисходящего хроматизма и синкопы. Повторяющаяся фраза постепенно видоизменяется с каждым новым проведением. Такая «зацикленность» влечет за собой обострение эмоционального напряжения.
Всего в произведении три волны развития, которые разделяются экспрессивным переходом, напоминающим по стилю тяжелый рок – весомый по звучанию, с оттягивающими моментами. Первая волна представлена как введение в процесс, вторая отличается динамичностью и развитием ритм-секции. С каждым разом основная музыкальная фраза у саксофонов постепенно усложняется и достигает своего накала, порой до «истеричного» звучания, технически сложного, исполняемого на пределе возможностей. Третья волна – динамический пик в партии всех инструментов. Обрамляется сочинение основной музыкальной фразой, однако в конце она проводится только у солирующей электрогитары.
Этот «реверанс» (термин композитора) можно воспринимать по-разному. Но точно можно сказать, что музыкальный материал этого произведения способен побудить к переоценке ценностей, пробуждению бунтарского начала. Такого рода музыка с ее максимально выраженной экспрессией противостоит «продукции» отечественного музыкального рынка, как содержанием, так и технической стороной.
В итоге оправдывается второй вариант. Выбранное название оказывается иронией, вызовом современной казахстанской музыкальной «индустрии», которая отличается излишне упрощенным языком и подобной же подачей материала, отсутствием глубокого содержания. Первое, на что стоит обратить внимание в «Apashkas dance», – непрерывный напористый поток музыкального развития, который с исполнительской стороны показывает сложнейшие технические возможности инструментальной музыки. Сквозной тип развития не позволяет слушателю остановиться и поразмышлять, задуматься, да и к танцам не располагает. Слушатель погружен в поток, ощущает суровую реальность.
Состав – тенор-саксофон, ударная секция, фортепиано, электрогитара, бас-гитара. На начальном этапе настрой создают партии фортепиано, ударных и бас-гитары, которые изложены мелкими длительностями в пунктирном и синкопированном ритме. На их фоне в унисон звучит партия саксофонов. Мелодия у них отличается колкостью из-за начальной интонации нисходящего хроматизма и синкопы. Повторяющаяся фраза постепенно видоизменяется с каждым новым проведением. Такая «зацикленность» влечет за собой обострение эмоционального напряжения.
Всего в произведении три волны развития, которые разделяются экспрессивным переходом, напоминающим по стилю тяжелый рок – весомый по звучанию, с оттягивающими моментами. Первая волна представлена как введение в процесс, вторая отличается динамичностью и развитием ритм-секции. С каждым разом основная музыкальная фраза у саксофонов постепенно усложняется и достигает своего накала, порой до «истеричного» звучания, технически сложного, исполняемого на пределе возможностей. Третья волна – динамический пик в партии всех инструментов. Обрамляется сочинение основной музыкальной фразой, однако в конце она проводится только у солирующей электрогитары.
Этот «реверанс» (термин композитора) можно воспринимать по-разному. Но точно можно сказать, что музыкальный материал этого произведения способен побудить к переоценке ценностей, пробуждению бунтарского начала. Такого рода музыка с ее максимально выраженной экспрессией противостоит «продукции» отечественного музыкального рынка, как содержанием, так и технической стороной.
Музыка не сразу заняла в ее жизни то важное место, какое занимает сейчас. С детства Виктория пела в церкви, слушала много песен, вникала в музыкальный и литературный тексты, однако не предполагала, что музыка станет для нее смыслом жизни и профессией. Отец Вики перед сном всегда включал ей музыку, так как хотел, чтобы у дочери сформировался хороший музыкальный слух. Она родом из Уштобе, училась в Китае по направлению «Международная экономика и торговля». Однако поняла, что эта профессия ей не близка. Изучала языки, особенно увлеклась английским, восхищаясь его выразительными возможностями, особенностями произношения и лексики.
"Особенная"
Наполненная светом песня, сочетающая лаундж и поп. Первый стиль помогает создать расслабляющий эффект в начале сочинения при помощи мягких звуков, гибких переходов, последующего постепенного развития. Второй воплощен через доступность текста, легкость подачи мелодии и ее простоту. Манера исполнения – речитация в куплетах и широкие легкие распевы в куплетах на фоне гитарного и трубного сопровождения.
Учитывая позицию автора «написанные и преподносимые тексты всегда должны нести информацию слушателю», естественно, обращаешь внимание именно на текст.
Учитывая позицию автора «написанные и преподносимые тексты всегда должны нести информацию слушателю», естественно, обращаешь внимание именно на текст.
Tori park
виктория пак
Творческий портрет
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
ВИКТОРИЯ ПАК
TORI PARK
TORI PARK
Музыка не сразу заняла в ее жизни то важное место, какое занимает сейчас. С детства Виктория пела в церкви, слушала много песен, вникала в музыкальный и литературный тексты, однако не предполагала, что музыка станет для нее смыслом жизни и профессией. Отец Вики перед сном всегда включал ей музыку, так как хотел, чтобы у дочери сформировался хороший музыкальный слух. Она родом из Уштобе, училась в Китае по направлению «Международная экономика и торговля». Однако поняла, что эта профессия ей не близка. Изучала языки, особенно увлеклась английским, восхищаясь его выразительными возможностями, особенностями произношения и лексики.
В 2018 году попала в «Школу поклонения», где проходила духовные практики. Что интересно, в школе практиковались сочинение песен и аранжировки. Тогда Виктория начала учиться играть на гитаре. Девушка не верила, что у нее есть к этому какие-либо способности, так как не обучалась музыке профессионально. Но на практике успехи у нее оказались впечатляющими.
В 2020 году, вернувшись в Казахстан, стала выходить из «зоны комфорта», записывать каверы, выкладывать их в интернете. В какой-то степени это был сложный и переломный для исполнительницы момент, так как многие люди из окружения Вики не поддерживали эту идею, считая, что профессия музыканта не так значима, и, чтобы добиться большого результата, нужны время и возможности.
Вика выбрала песенный жанр не случайно: он, по ее мнению, уникален. В нем большое значение имеет словесный текст, который наполнен смыслом. Ее песни отличаются наполненностью, продуманностью и структурой. В них раскрываются важные жизненные ситуации и проблемы, от любовных переживаний до размышлений на тему защиты природы, – словом, того, без чего невозможно представить сегодняшнюю жизнь человека.
Вика играет на клавишных, гитаре и укулеле. Благодаря музыкальной резиденции Batyr Lab она получила первый опыт работы в музыкальной студии с живым коллективом, причем музыканты дали ей много ценных советов. Этот опыт нашел свое продолжение в записи песни для проекта, в которой как раз рассказывается о нелегком выборе, о том, как автор принимает сложное, но верное решение писать песни и исполнять свою музыку.
Просветленность, ощущение душевной теплоты и заботы, спокойствие, доброта, уверенность в своем пути проявляются в голосе и исполнительской манере Вики, определяя ее как музыканта и композитора.
В 2018 году попала в «Школу поклонения», где проходила духовные практики. Что интересно, в школе практиковались сочинение песен и аранжировки. Тогда Виктория начала учиться играть на гитаре. Девушка не верила, что у нее есть к этому какие-либо способности, так как не обучалась музыке профессионально. Но на практике успехи у нее оказались впечатляющими.
В 2020 году, вернувшись в Казахстан, стала выходить из «зоны комфорта», записывать каверы, выкладывать их в интернете. В какой-то степени это был сложный и переломный для исполнительницы момент, так как многие люди из окружения Вики не поддерживали эту идею, считая, что профессия музыканта не так значима, и, чтобы добиться большого результата, нужны время и возможности.
Вика выбрала песенный жанр не случайно: он, по ее мнению, уникален. В нем большое значение имеет словесный текст, который наполнен смыслом. Ее песни отличаются наполненностью, продуманностью и структурой. В них раскрываются важные жизненные ситуации и проблемы, от любовных переживаний до размышлений на тему защиты природы, – словом, того, без чего невозможно представить сегодняшнюю жизнь человека.
Вика играет на клавишных, гитаре и укулеле. Благодаря музыкальной резиденции Batyr Lab она получила первый опыт работы в музыкальной студии с живым коллективом, причем музыканты дали ей много ценных советов. Этот опыт нашел свое продолжение в записи песни для проекта, в которой как раз рассказывается о нелегком выборе, о том, как автор принимает сложное, но верное решение писать песни и исполнять свою музыку.
Просветленность, ощущение душевной теплоты и заботы, спокойствие, доброта, уверенность в своем пути проявляются в голосе и исполнительской манере Вики, определяя ее как музыканта и композитора.
Рецензия
Антон Сомов, музыковед
Антон Сомов, музыковед
"ОСОБЕННАЯ"
Tori Park
Tori Park
Наполненная светом песня, сочетающая лаундж и поп. Первый стиль помогает создать расслабляющий эффект в начале сочинения при помощи мягких звуков, гибких переходов, последующего постепенного развития. Второй воплощен через доступность текста, легкость подачи мелодии и ее простоту. Манера исполнения – речитация в куплетах и широкие легкие распевы в куплетах на фоне гитарного и трубного сопровождения.
Учитывая позицию автора «написанные и преподносимые тексты всегда должны нести информацию слушателю», естественно, обращаешь внимание именно на текст. В данном случае – это рассказ об отношениях двух влюбленных, их эмоциональной связи. Но у слушателя всегда остается возможность выйти за пределы сюжета и провести аналогии с тем, что близко ему самому.
Вступление начинается с выдержанных педальных мажорных аккордов, на фоне которых появляется гитарный проигрыш. С одной стороны, может показаться, что песня не несет новой информации. Однако органично подобранные средства музыкальной выразительности, волнообразная мелодия и поступенное движение в простом ритмическом рисунке с небольшим количеством синкоп в конце каждого предложения придают песне легкость и своеобразие, привлекая внимание к словесному тексту. Интересен прием использования солирующей трубы на фоне инструментального аккомпанемента с его танцевальной основой, гармоническими тембровыми решениями, чье певучее и «живое» звучание привносит яркий эмоциональный заряд, создает своеобразный пространственный эффект и, в целом, освежает песню.
Все перечисленное держит внимание слушателей и делает композицию доступной для широкой аудитории. Тембр голоса Виктории, обладающий особым светлым и мягким колоритом, инструментальный состав – ударная группа, гитара, и труба – придутся по вкусу многим. Текст тоже не оставит слушателей равнодушными и вызовет желание размышлять вместе с автором.
Учитывая позицию автора «написанные и преподносимые тексты всегда должны нести информацию слушателю», естественно, обращаешь внимание именно на текст. В данном случае – это рассказ об отношениях двух влюбленных, их эмоциональной связи. Но у слушателя всегда остается возможность выйти за пределы сюжета и провести аналогии с тем, что близко ему самому.
Вступление начинается с выдержанных педальных мажорных аккордов, на фоне которых появляется гитарный проигрыш. С одной стороны, может показаться, что песня не несет новой информации. Однако органично подобранные средства музыкальной выразительности, волнообразная мелодия и поступенное движение в простом ритмическом рисунке с небольшим количеством синкоп в конце каждого предложения придают песне легкость и своеобразие, привлекая внимание к словесному тексту. Интересен прием использования солирующей трубы на фоне инструментального аккомпанемента с его танцевальной основой, гармоническими тембровыми решениями, чье певучее и «живое» звучание привносит яркий эмоциональный заряд, создает своеобразный пространственный эффект и, в целом, освежает песню.
Все перечисленное держит внимание слушателей и делает композицию доступной для широкой аудитории. Тембр голоса Виктории, обладающий особым светлым и мягким колоритом, инструментальный состав – ударная группа, гитара, и труба – придутся по вкусу многим. Текст тоже не оставит слушателей равнодушными и вызовет желание размышлять вместе с автором.
СОЗДАНИЕ и релиз АЛЬБОМА BATYR LAB VOL.1
Следующим этапом Batyr Lab стало присуждение грантов в размере полумиллиона тенге каждому из участников на реализацию их творческих проектов; обязательным условием была работа с духовыми инструментами, как ещё один трибьют Батыру.
В рамках Batyr Lab были созданы и записаны 8 произведений, объединённых в разнообразный альбом — это результат эксперимента, в рамках которого участникам предоставлялась свобода действий, оказывалась кураторская поддержка и были созданы условия для коллабораций и творчества.
В рамках Batyr Lab были созданы и записаны 8 произведений, объединённых в разнообразный альбом — это результат эксперимента, в рамках которого участникам предоставлялась свобода действий, оказывалась кураторская поддержка и были созданы условия для коллабораций и творчества.
В альбоме отражено разнообразие локальной музыкальной индустрии – это самобытность, мультикультурность и экспериментальность. В сборнике представлены, как и известные местной аудитории артисты, так и оригинальные дебютанты. Альбом доступен на всех стриминговых сервисах с 17 декабря.
Альбом "Batyr Lab Vol.1" состоит из 8 уникальных произведений в совершенно разных жанрах: джаз, классика, поп и этно-фолк. Альбом был выпущен в партнерстве с американским дистрибьютором музыки
The Orchard на всех цифровых площадках.
The Orchard на всех цифровых площадках.
альбом
Batyr Lab Vol.1
Batyr Lab Vol.1
TRACK LIST:
1. Soul Note - "Мой Soul"
2. Damir Uissumbayev - "Apashkas Dance"
3. Nasiafromasia - "Kisses"
4. Arystanbek Abai - "Pray" for chamber ensemble
5. Tori Park - "Особенная"
6. Shyryn Bazarkulova - "Relation" for brass ensemble
7. Me and my invisible orchestra - "Never fall in love"
8. K.O.K.O.N.J.A - "Qonyr jel"
1. Soul Note - "Мой Soul"
2. Damir Uissumbayev - "Apashkas Dance"
3. Nasiafromasia - "Kisses"
4. Arystanbek Abai - "Pray" for chamber ensemble
5. Tori Park - "Особенная"
6. Shyryn Bazarkulova - "Relation" for brass ensemble
7. Me and my invisible orchestra - "Never fall in love"
8. K.O.K.O.N.J.A - "Qonyr jel"
Фильм о резиденции Batyr Lab 2021
Одним из результатов резиденции стал выпуск фильма Рустама Абенова о проекте, раскрывающий будни музыкальной резиденции: как она проходила, чем занимались и о чем волновались участники, отвечая на самый главный вопрос – «для чего проводилась музыкальная резиденция Batyr Lab»
Хрестоматия
НАД КАТАЛОГОМ РАБОТАЛИ:
Редактор русского текста: Майя Акишева
Перевод текстов на казахский: Индира Алимханова
Корректор казахского текста: Нұрбол Нұрахмет
Авторы текстов: Наргиз Шукенова, Антон Сомов
Фотографы: Елена Сорокина, Сабина Амангельдина
Дизайнер: Азиза Киреева
Редактор русского текста: Майя Акишева
Перевод текстов на казахский: Индира Алимханова
Корректор казахского текста: Нұрбол Нұрахмет
Авторы текстов: Наргиз Шукенова, Антон Сомов
Фотографы: Елена Сорокина, Сабина Амангельдина
Дизайнер: Азиза Киреева
Еще одним результатом резиденции Batyr Lab - 2021 стал выпуск двуязычного каталога - хрестоматии, в который вошли биографии участников и участниц, дневники резиденции и критические статьи о получившихся произведениях, партитуры и слова песен. Тексты подготовлены музыковедом Антоном Сомовым и наша работа с ним – это попытка ввести культуру музыкальной критики в современном Казахстане и обеспечить профессиональную обратную связь для наших музыкантов. Тираж каталога – 70 экземпляров. Часть тиража каталога была представлена гостям на презентации альбома, часть отправлена командой фонда в учебные заведения и музыкальные коллективы, чтобы пополнить репертуар для духовых составов.
Контрибьюторы
основатель и ведущий эксперт консультационного бюро InSimple
Алекс Николаев
алматинский Dj, музыкальный энтузиаст и коллекционер
Арсен Рысдаулетов
DJ
Тогжан Касенова
DJ и продюсер, основатель лейбла In-Beat-Ween Music
Александр LayFar
команда проекта
музыкальные коллективы
фотографии резиденции
Бауыржан Сабитов
сэт-дизайн резиденции
Жанель Шахан
глава попечительского совета
общественного фонда имени
Батырхана Шукенова
общественного фонда имени
Батырхана Шукенова
Бауржан Шукенов
музыковед
Государственный квинтет духовых инструментов Жаната Ерманова
Жюри
музыковед, общественный деятель, журналист, педагог, директор ансамбля современной музыки «Игеру»
Раушан Джуманиязова
музыкальный эксперт, DJ
Нурберген Махамбетов
основатель и ведущий эксперт консультационного бюро InSimple
Алекс Николаев
Кураторы
лекторы
Антон Сомов
Брасс-бэнд Нурболсына Толеухана
спикеры
комопзитор, художественный руководитель ансамбля современной музыки «Игеру»
Санжар Байтереков
композитор
Куат Шильдебаев
продюсер, основатель лейбла JUZZ Entertainment
Ерболат Бедельхан
фильм о резиденции
Рустам Абенов
дизайн айдентика резиденции
Азиза Киреева
Партнеры и организаторы
О BATYR LAB ПИШУТ
OUR instagram
follow us:
Supported by
